Film Terhebat Yang Direkam Di Cinemascope – Komedi Marilyn Monroe How to Marry a Millionaire adalah film pertama yang diproduksi dalam proses layar lebar baru yang merevolusi pembuatan film pada 1950-an.
Hal itu hanya menunjukkan bahwa Anda tidak bisa mempercayai buku sejarah. Sebagian besar cerita yang menegaskan bahwa The Robe karya Henry Koster (1953) adalah film pertama yang diproduksi di CinemaScope. Faktanya, Jean Negulesco’s How to Marry a Millionaire, yang dipacu untuk berproduksi bersama Robert D. Webb Di bawah the 12-mile Reef untuk memberi Century-Fox ke-20 sebuah permulaan dalam lomba layar lebar untuk memikat orang Amerika menjauh dari televisi baru mereka. set. ceme online
Negulesco menyelesaikan fotonya terlebih dahulu, tetapi kantor depan Fox merasa bahwa epik Romawi dengan nada religius akan membuat pernyataan besar tentang “keajaiban yang Anda lihat tanpa kacamata” daripada musikal tentang tiga gadis lajang (Marilyn Monroe, Lauren Bacall dan Betty Grable) mencari suami kaya. Akibatnya, kisah pejalan kaki yang mengesankan, tulus, tetapi tidak dapat disangkal tentang pakaian yang dikenakan oleh Kristus dalam perjalanan ke Calvary menjadi yang pertama dari 654 fitur yang dibuat dalam warna dan CinemaScope hitam-putih selama 14 tahun ke depan. https://www.mustangcontracting.com/
38 fitur lebih lanjut diproduksi oleh Fox antara 1956-59 dalam variasi monokrom yang dijuluki RegalScope. Tetapi masing-masing mengandalkan proses yang pertama-tama memungkinkan gambar bidang lebar untuk diperas ke lateral ke stok 35mm dengan lensa silinder dengan rasio kompresi 2: 1 dan kemudian dilihat dalam bentuk memanjang milik lensa kompensasi di proyektor. Awalnya, rasio aspek adalah 2,55: 1, tetapi formatnya bekerja paling baik pada 2,35: 1, dengan menyertai stereo empat-track.
Ada masalah gigi, karena Fox sangat ingin pindah ke produksi layar lebar sehingga membeli lensa Hypergonar primitif yang awalnya dikembangkan oleh penemu Perancis Henri Chrétien untuk pemandangan tangki sudut lebar selama Perang Besar. Lensa anamorphic ini telah digunakan oleh Claude Autant-Lara untuk mengambil gambar pendek diam, Origins of Fire, pada tahun 1928. Tetapi patennya telah hilang pada saat kepala Fox, Spyros P. Skouras melacak Chrétien dan dia mengambil keputusan untuk mulai bekerja. gambar peluncuran sementara perusahaan optik Bausch & Lomb menyempurnakan teknologi (dan mendapatkan Oscar dalam prosesnya). Sebagai akibatnya, rilis CinemaScope yang paling awal menderita penurunan kecerahan dan resolusi, sementara close-up sering tampak tidak proporsional dan lateral dan gerakan pelacakan di layar kadang-kadang tampak terdistorsi.
Tapi ’Lingkup lebih murah untuk digunakan daripada Cinerama dan mengimbau audiens lebih dari 3-D. Ketika Fox berbagi penemuannya dengan para pesaingnya, banyak dari Hollywood mengadopsi format dan bentuk-bentuk alternatif mulai muncul di seluruh dunia, termasuk Franscope dan Tohoscope. Pengecualian utama adalah Paramount, yang menggunakan sistem VistaVision, meskipun sejumlah rilis MGM antara 1958-62 menggunakan Panavision, meskipun disebut sebagai CinemaScope. Pada akhirnya, Panavision akan menjadi norma industri, karena lebih terjangkau dan dapat diandalkan serta menghapus efek ‘mumping’ yang menyimpang yang mencemari banyak orang dengan close-up yang glamor. Tetapi, untuk sementara, Hollywood menari mengikuti irama yang diciptakan Cole Porter untuk Silk Stockings Rouben Mamoulian (1957), dengan manteranya: “Anda harus memiliki Technicolor yang agung, CinemaScope yang memukau, dan suara stereophonic.”
1. Violent Saturday (1955)
Setiap orang memiliki sesuatu untuk disembunyikan dalam studi mendidih Richard Fleischer tentang kota kecil Amerika, yang diadaptasi oleh Sydney Boehm dari kisah William L. Heath yang awalnya muncul di Cosmopolitan. Serupa dengan nada Bad Day di Black Rock karya John Sturges (1955), masterclass layar lebar ini menempatkan putaran melodramatik yang aneh ke arah skenario barat klasik para penjahat yang naik ke pos terdepan untuk merampok bank. Tetapi ‘penjual keliling’ Stephen McNally, J. Carroll Naish dan Lee Marvin bukan satu-satunya karakter teduh di Bradenville, Arizona.
Fleischer memaparkan nafsu opera sabun, penipuan, kecemasan dan pengkhianatan dalam serangkaian waktu yang lama yang tidak hanya menentukan laju kehidupan, tetapi juga tata ruang kota dan tambang tembaga serta pertanian Amish di luar batasnya. Dia juga menggunakan citra DeLuxe Charles G. Clarke yang sangat teliti untuk menekankan keterasingan karakter yang bertahan dalam komunitas yang terjalin erat. Tetapi panjang tembakan lebih pendek selama pencurian, liburan dan penembakan klimaks, karena pengawas ranjau yang disandera Victor Mature membuktikan kepada putranya yang berusia 10 tahun yang meragukan bahwa tidak setiap pahlawan memiliki medali perang yang penuh.
2. Lady and the Tramp (1955)
Walt Disney adalah salah satu yang pertama memberikan lisensi CinemaScope dari Fox dan dia bereksperimen dengan itu pada kartun pemenang Oscar Toot, Whistle, Plunk dan Boom (1953) sebelum mempekerjakan Richard Fleischer untuk menggunakan format dalam mengadaptasi 20.000 Leagues Jules Verne di bawah Laut ( 1954) sebagai petualangan aksi langsung kelima studio. Namun, terlepas dari keberhasilan acara ini, Disney memutuskan untuk menghasilkan Lady dan gelandangan di kedua akademi dan rasio Lingkup, jika publik gagal menanggapi versi yang terakhir. Setelah mengembangkan kisah tentang anjing paniel yang dimanjakan yang bertemu anjing betina keliling sejak 1942, Disney tentu saja gugup memproduksi alur cerita orisinal pertamanya di layar lebar. Tetapi, setelah empat tahun di mana 150 animator menghasilkan lebih dari dua juta gambar, gambar seharga $ 4 juta itu membuktikan kemenangan yang kritis dan komersial.
Sebenarnya, direktur Clyde Geronimi, Wilfred Jackson dan Hamilton Luske menghabiskan lebih banyak waktu untuk menyelesaikan masalah daripada meramu set-piece yang spektakuler. Ruang tambahan meningkatkan realisme pemandangan dan membuat dunia tahun 1910-an yang Lady temukan pada awalnya meninggalkan rumahnya yang nyaman tampak menarik dan menakutkan. Tetapi tata letak seniman harus memikirkan kembali seluruh pendekatan mereka untuk hubungan antara karakter dan latar belakang mereka dan segera menyadari bahwa kelompok mengisi frame lama mengambil lebih baik daripada angka yang terisolasi. Namun, sementara parameter penuh digunakan untuk urutan pengejaran dengan kucing Siam, penangkap anjing dan tikus, keintiman yang pedih juga teraba selama momen perayaan di halaman restoran Tony dengan untaian spageti dan bakso terakhir. .
3. It’s Always Fair Weather (1955)
Setelah menari ‘balet mimpi’ dalam An American in Paris di Vincente Minnelli (1951) dan Singin ‘in the Rain (1952), yang ia pimpin bersama dengan Stanley Donen, Gene Kelly memutuskan untuk menunjukkan pendapatnya bahwa menari adalah permainan seorang pria dalam karyanya. satu-satunya perjalanan di CinemaScope. Donen telah menggunakan format untuk efek mendebarkan untuk menangkap dusun abad ke-19 di Seven Brides for Seven Brothers (1954), tetapi keduanya kembali ke New York On the Town (1949) untuk reuni tiga teman masa perang ini. Khalayak kontemporer terbukti tahan terhadap sinisme noirish, tetapi snipes satir di televisi dan iklan mempertahankan keunggulan mereka.
Donen dan Kelly memanfaatkan layar lebar sebaik-baiknya selama nomor musik, terutama berbagi kegembiraan demo Kelly, Dan Dailey dan Michael Kidd ketika mereka berkeropeng dengan tutup bin di kaki mereka di ‘The Binge’ sebelum membagi persegi panjang menjadi triptych sebagai trio ratapan ‘Aku Seharusnya Tidak Datang’ untuk menyadari seberapa jauh mereka telah tumbuh terpisah pada dekade berikutnya. Para co-sutradara juga memanfaatkan tempat-tempat tertutup dari panggung klub malam dan gimnasium tinju yang menggugah, karena Dolores Gray dan Cyd Charisse masing-masing menempatkan kaum lelaki di tempat mereka masing-masing di ‘Terima kasih banyak tetapi tidak, terima kasih’ dan ‘Baby, You Knock Me Di luar’. Tapi untuk kegembiraan Lingkup semata-mata, tidak ada yang lebih baik dari Kelly yang berjalan di Manhattan sambil menyenandungkan ‘Aku Suka Diriku’.
4. Lola Montès (1955)
Sangat longgar berdasarkan pada novel karya Cécil Saint-Laurent, lagu angsa Max Ophüls adalah satu-satunya gambarnya di Eastmancolor dan CinemaScope. Dibuat oleh para kritikus yang tidak memahami, itu diedit secara drastis oleh Gamma Films, terlepas dari sepucuk surat untuk Le Figaro dari orang-orang seperti Jean Cocteau, Roberto Rossellini dan Jacques Tati menyatakannya sebagai landmark sinematik. Versi yang sudah ada adalah 30 menit lebih pendek dari potongan perdana, tetapi kecamannya terhadap publisitas yang menyeramkan tetap kuat, seperti halnya cara yang memukau di mana Ophüls menggunakan teknik untuk mendemonstrasikan tontonan skandal dan menumbangkan pandangan voyeuristik penonton.
Sebagai ahli gaya mise-en-scène, Ophüls membuat kamera Christian Matras meluncur dengan anggun melalui perangkat luhur Jean d’Eaubonne. Dia juga meminjam metode Josef von Sternberg yang digunakan dalam kendaraan Marlene Dietrich untuk mengisi ruang mati di rangkaian sirkus New Orleans dengan tali, tangga, lampu gantung, dan mahkota murah yang turun dari langit-langit puncak besar, sedangkan tirai, bayangan, lengkungan, dan dinding dipekerjakan di berbagai gerbong, losmen, teater dan istana yang sering dikunjungi Lola (Martine Carol). Efek mengisolasi detasemen memperkuat tema Ophüls dan menjadikan karya genius cine-estetika ini sebagai kekuatan emosional yang menipu.
5. The Bridge On The River Kwai (1957)
David Lean tidak memiliki pengalaman sinema epik ketika dia mendaftar untuk mengarahkan adaptasi dari novel Pierre Boulle berbasis fakta ini yang telah ditulis oleh blacklistees Michael Wilson dan Carl Foreman. Namun dia memenangkan salah satu dari tujuh Academy Awards yang dihadirkan untuk akun mengerikan tentang pembangunan jalan kereta api melalui hutan Burma oleh tahanan Sekutu Jepang. Tindakan klimaks di sekitar misi sabotase itu mendebarkan, tetapi potensi dramatisnya terletak pada kode kehormatan dan tugas yang berbeda yang memotivasi komandan kamp sadis Sessue Hayakawa dan perwira senior Inggris Alec Guinness, yang kebanggaan patriotiknya yang bengkok mendorongnya ke dalam tindakan kolaborasi yang hanya kebodohan Saya sadar dia pada saat yang menakutkan kejelasan berakhir.
Memesan aksi dengan pemandangan luas dari medan yang terlarang, Lean dan sinematografer Jack Hildyard secara konsisten menekankan ketidakberdayaan luas daerah tersebut dan sulitnya membangun jalur kereta api dalam kondisi yang menantang. Skala adalah kunci, namun Lean menutup ruang layar selama Guinness bertugas di ‘oven’ dan secara berkala selama perjalanan komando untuk mengonfirmasi kondisi terik dan kepadatan hutan. Akan tetapi, ketika jembatan terbentuk, Lean kembali ke sudut lebar untuk memuji besarnya prestasi dan membuat penghancuran akhir bangunan menjadi lebih heroik dan spektakuler.